器からオブジェまで、何でもありの現代陶芸の中にあって、いま求められるものは何かと考えたとき、それは「人間性の深さ」ではないかと思います。

あらゆる技術を駆使して、様々な造形作品が表現されていますが、その作品に「人間性の深さ」がなければ、それは単なる流行でしかなく、すぐに飽きられてしまうでしょう。

茶の湯の世界では、土味や焼味といった素材そのものの持つ魅力が鑑賞されますが、それは単に表面的な鑑賞を言うのではなく、長い歴史の中で日本人が磨き上げてきた自然に対する感性から生まれたものです。

造形に素材の魅力が加わって、新しい丹波が生まれました。

今回の展覧会では、丹波の静と動という二つの面が表現されています。

是非、会場にお運び下さい。

Nobumizu Ichino氏の《丹波耳付水指》は、裾から口辺にやや広がったシンプルな楕円形の水指で、小さな丸い耳が左右の上部に付いています。

半地下式の窖窯によって生まれた丹波の緋色と焦げが一体となって、ほんのりとした土味、焼味を醸し出しています。

Masahiko Ichino氏の《采器》は、花や果実をイメージした市野の自然で自由な造形ですが、これは小鉢5客で、丹波篠山の弁天の田土に含まれる黒い粒々が独特な風合いを醸し出しています。

しかし、上の画像のように小鉢を縦に積み上げると、まるでオブジェのように見えます。

Kimihiko Imanishi氏の《丹波菊花文三耳壺》は、古丹波というジャンルと真摯に向き合い、現代の古丹波を創造しています。

この壺は、肩の三方に丸紐状の耳を配し、その耳と耳の間に菊花文を刻んでいますが、豪快な自然釉が肩から流れ、今西風の古丹波を表現しています。

Masafumi Onishi氏の《赤丹波花入》は、丹波焼の赤土部に魅せられて、挑戦する中で生まれたものです。

丹波の原土を使い赤い顔料を塗って蛇窯で焚くと、窯の変化によって艶やかな赤や渋い赤などいろんな赤が顔を出します。

壺の正面の肩には、豪快に灰が被っています。

Kako Katsumi氏の《銀彩碗》は、轆轤挽きした磁土に白いマット釉を蝋抜きし、1個の単パーツ文様を組み合わせて連続文様を描き、全体に銀彩を施すことで、施釉された部分と磁土の焼締め部分で銀の光の方が違って見えます。

そうすると、深みが一層増します。

Tsuyoshi Shimizu氏の《塩窯水指》は、父から引き継いだ塩窯であり、父の師匠が生田和孝で、その師匠が河井寛次郎です。

釉の調合や塩の投入などは、濱田庄司の方法だそうです。

その技法を自分なりに自己薬籠中のものとし、本作のような美しい釉模様が生まれました。

Nobuhito Nakaoka氏の《丹波炭化漆茶盌》は、炭化焼成による茶盌で、緋色と焦げの対比が美しいものです。

茶盌の内側には薄く黒漆が塗られており、茶を点てると、その鮮やかな緑を引き立て、ぐっと締まった感じになります。

使うたびに、語りかけてくれる茶盌です。

Peter Harmon氏の《掛け分け草文花器》は、素焼前の表面に草文を彫り、白磁釉を掛けて蝋を塗り、草文を再び彫って、青磁釉を筆で塗り込んだ掛け分けの作品です。

掛け分けでありながら掛け分けではない、文様でありながら文様ではない、そんな禅問答のような言葉がふっと浮かびます。

森 孝一(美術評論家・日本陶磁協会 常任理事)