松尾芭蕉的俳諧詩哲學中包含「不變的原則和不斷變化的趨勢」這個短語。

它強調在尊重傳統的同時融入新元素的重要性。

「不變的原則和不斷變化的趨勢」這個概念是一種適用於所有藝術形式的哲學。

「Fuyū」指的是超越時代、永恆不變的事物，代表永恆不變的真理。

另一方面，「潮流」指的是隨著時代而變化的事物，這意味著除非你了解時代的潮流，否則你無法接受真理。

因此，如果缺少這兩個要素中的任何一個，俳句就不可能存在。

換句話說，「不變的傳統」和「潮流」的基本原則是一回事，芭蕉稱之為「優雅的真誠」。

陶器也是如此。

陶瓷藝術家加藤清之表示，逐一去除不自然的元素，他最終會找到他所尋找的自然形態。

寫作也是如此；文字的力量在於謹慎而尊重地使用它們。

藝術最終可以被描述為一種祈禱形式。

我認為這種「祈禱」是「不變的」。

這就是我歷經七十年終於到達的世界。

現在，讓我向大家介紹「信樂 - 泥土之詩：十二展 III - 祈禱的譜系」。

青木純子《茶碗奇瀨戶》描繪了心靈的風景，其主題是「透過餐具準備一段心靈之旅」。

雖然疫情剝奪了他們的自由，但也讓他們有機會重新審視自己真正想做什麼、真正需要做什麼。

這個茶碗就是在這樣的背景下誕生的。

大西沙郎他的「信樂燒水罐」是一個橢圓形水罐，這是他非常擅長的風格，但他透過在水罐的曲線上製造棱紋，利用陰影和釉料流動創造出微妙的變化。

這款水罐具有信樂燒特有的明亮色彩，表面覆蓋著淡綠色釉，罐內有兩條玻璃狀釉彩流淌的痕跡。

奧田東正當我凝視著《站在風中》這幅畫時，我彷彿看到一個人虔誠地祈禱，希望能夠平息風暴。

這種堅定不移的精神最終化作一塊岩石，成為一種堅固而富有韌性的形態。

對於一個花瓶來說，它確實很重，但「以絕對堅定的決心，邁向新時代…」這句話體現了這一含義。

神崎修作她通常喜歡小茶碗，但這次她選擇了一個大茶碗。

這是因為小茶碗不適合雙手合十祈禱的姿勢。

信樂燒茶碗的設計旨在讓人聯想到雙手張開飲茶的圖像。

側面會因窯燒而發生變化，內部會積聚一層釉，而且很容易用茶筅打磨。

小牧徹平「碳化圖樣彩繪器皿」繼承了蘇氏器皿等帶有底座器皿的形式，或許可以被視為一種禮儀器皿。

Ikuha圖案也是一種具有魔法或儀式意義的設計。

「探索和表達古代記憶」是這位藝術家長期以來一直在探索的主題。

佐子義博「信樂泥球」是用埋在一棵巨大的鋸齒櫟樹下的信樂泥製成的。

今年橡子大豐收，一些橡子落入了撕開的床單裡，我把這些泥土揉捏成球狀，然後烘烤起來。

這件藝術品透過燒製將寄託於大地的祈禱轉化為永恆的形式。

篠原希美「Shinogi茶碗」是用含有大石子的信樂黏土製成的作品。

由於他無法用手捏出黏土的形狀，他先將黏土錘成一個塊，掏空內部，然後切割出外部，做成一個碗。

這是一個篠木茶碗，它是根據陶土的形狀製作而成，然後燒製而成。

高橋樂齋這位藝術家說，信樂花瓶的靈感來自於他在清晨散步時在信樂城看到的一幕。

這些圖案是用一塊木頭敲打而成，旨在營造出被泉水浸潤、長滿青苔的岩石的氛圍，卻產生了意想不到的效果。

頂部綠色的釉面與底部黑色的燒焦部分形成對比，以及用於放置小花的口袋，都是有趣的特徵。

高間智子《花草》這件作品表達了希望、祈禱和情感融入花朵之間後，花朵如何改變。

這大概就是為什麼外層是雙層結構的原因吧。

他們希望透過裝飾來挖掘和保存日常生活中累積的經驗和情感。

塔尼穆《信樂長頸花瓶》是谷田在 2020 年益子陶瓷美術館舉辦的「繁榮的日本陶瓷」展覽上展出的作品，也是谷田挑戰自我、重構他對信樂的認知的重要作品。

信樂獨特的色彩與白蠟木的灰燼相結合，營造出隨著時間而微妙變化的複雜景觀。

津守愛香《坐著的貓女》這件作品是以小型佛像為原型創作的，用於祈禱。

在津森家，有胖胖、可愛的老貓，孩子的腳也胖胖、可愛極了。

這不是流星創作的玲子坐像，而是津森創作的貓女坐像。

古谷和也他說，他終於達到了可以享受製作茶碗的境界。

這款信樂燒風格的窯燒茶碗的設計靈感來自光悅的紅色樂燒茶碗“乙禦禪”，並由手工塑形而成。

陶器在柴窯中燒製兩次，表面顏色從綠色和藍色變為白色、黑色和黃色，呈現出豐富多變的動態外觀。

森浩一（藝術評論家，日本陶瓷學會常務理事）