竹と漆の造形作家・池田巌氏は、「芸術には『風』が大切である」と言っています。

そして「広範に考えるならば人生は各々の生き方の『風』を掴むためにあるようなものではないか。

『風』に現れるものは、そのひとの哲学であり、思想でもある」と語っています。

私は、陶芸の思想は、その素材の中に存在すると思っています。

素材の中に宇宙の摂理があり、その宇宙の摂理に逆らわずものを創造しようというのが、日本人の思想です。

宮大工が鉋(かんな)がけした木材は水をはじくと言います。

木の生命を活かすという日本の宮大工の思想が、鉋がけの技術の中には秘められています。

イタリア盛期ルネッサンス期の彫刻家であり、画家であり、建築家でもあったミケランジェロは「どんな石も塊の内部に彫刻を秘めている。それを発見するのが彫刻家の仕事だ」と言っています。

また、彫刻家のイサム・ノグチは「大切なのは、意識や人智を超えた内部から生まれる真実を如何にするどくとらえ、表現できるかである」と言っています。

第Ⅳ回展のサブタイトルを「風をおこす」とした理由には、「丹波の風をおこす」という意味と同時に、各人が自身の「作風を確立する」という意味も込められています。

今回、所要があって清水一二氏が参加されていませんので、九人の作家による茶陶展となりました。それでは、九人の作品をご紹介します。

｢柿の蔕｣とは、茶碗を伏せて置いた形が「柿の蔕」に似ているところから、付けられた名前です。

一野信水氏の《丹波柿の蔕茶盌》は、褐色の素地に薄い透明釉が掛かり、独特の景色を成しています。

水分を含ませると地肌が生き生きと輝き、様相が変化します。それも《柿の蔕茶盌》の魅力のひとつです。

一野正彥氏は、平成17年頃から丹波の土が持つ個性を生かした作品を目指すようになりました。

《丹波赤ドベ埦》は、そうした彼の思いから生まれた作品です。

丹波篠山の弁天の田土を用いて、赤ドベで化粧掛けした個性ある茶碗です。

田土に含まれる黒い粒々が、独特な風合いを醸し出しています。

｢vessel｣とは、容器、器という意味ですが、船、船舶という意味もあるようです。

今西公彥氏の《vessel》は、伝統的な丹波の焼締め陶ですが、風船のように膨らむフォルムが魅力的です。

内部の空気が漏れないように、口を小さくすぼめていますが、内部に充満する空気を感じさせる緊張感のある造形です。

大上伊代さんは、日本の縁起物や妖怪などに着想を得た「おどろかわいい」人形で、いまもっとも注目される作家です。

その作品は、年々進化を見せて高い評価を得ています。

今回の《菓子器 龍》は、背中の部分が菓子器となっていますが、龍のからだに描かれた朱色の火焔がとても印象的な作品です。

大西正文氏の《丹波船徳利》は、江戸時代の丹波徳利に着想を得た作品ですが、船徳利だけにとても安定感のある造形です。

それが、この作品の魅力のひとつです。

もうひとつの魅力は、表面の丹波らしい光沢のある赤褐色の土肌と、裏面の灰が降り幾筋もの釉流れを見せる表裏の景色の対比です。

灰粉引とは黒っぽい胎土に白化粧土(灰釉)を掛けたものを言いますが、加子克己氏の《灰粉引茶碗》の場合は灰被り粉引を指すようです。

手びねりで成形したあと、外側に縦の鎬(しのぎ)を入れ、大胆に指跡を残して景色を成しています。

白化粧の上に灰が被り、加古氏ならではの独自の美意識を表現しています。

清水剛氏の《塩窯水指》は、側面に付けられた小さな耳がとても魅力的です。

それは取って付けたような耳ではなく、水指の側面から生えてきたような自然な耳です。

器全体に二種類の呉須を掛けることで、青い釉色の上を、さらに濃い釉薬が流れて、清水氏ならではの独特な景色を生み出しています。

秋になると山椒の実が弾け、中から黒い種が露出します。

中岡信仁氏の《炭化金彩香炉》は、そんな割山椒のような形の香炉です。

作家に聞くと、植物の生命感を表現した形とのことです。

赤褐色の土肌と黒褐色の焦げのコントラストが面白く、炭化した香炉の蓋の部分には金彩が塗られています。

彼得·哈蒙氏は、すでに30年近く「藪内流」の茶の湯を学んでおられます。

日々の生活の中で茶の湯を実践しながら、作陶に専念されています。

《青白磁遊び網代文五方水指》は、五方に面取りされた青白磁の水指ですが、その胴には、上下の余白を生かしながら網代文が彫られています。

森浩一（藝術評論家，日本陶瓷學會常務理事）