日本のやきものの多くは辺境で発達しました。

それは原料となる陶土や薪がその場所にあるからです。

辺境でやきものが発達したため、やきものには、その土地の風土性、地域性が多く内在します。

水や土壌が変われば野菜の味も異なるように、やきものの特質も異なるわけです。

唐津のやきものは、技術的には朝鮮半島の影響を受けますが、唐津の陶土を用いて、唐津の窯で焼かれたものです。

すなわち唐津焼とは、唐津の風土性と地域性を持ったやきものと定義することができます。

陶芸家が素材である土にこだわる理由がそこにあります。

それは昔も今も変わりません。

唐津の自然(土の個性)と、作家の内なる自然(感性)が共鳴し、一つの相を成したときに唐津の形が生まれます。

唐津の造形性とは、単に外形を言うのではなく、その相を生み出した内発的発展にあります。

この内発的発展によって、やきものの個性も思想も生まれると、私は考えています。

ある意味で、現代は個性喪失の時代です。

現代の陶芸は一見個性的に見えますが、内発的発展を踏まえない創造は、基本のない作品でしかありません。

唐津の作家たちは、古典に基本を学び、現代の唐津に挑戦しています。

岡本作礼さんは、素材である陶土と真剣に向かい合うことによって、過去にはない今日の唐津に挑戦しています。

「唐津叩き土器『二〇一八日乃出』」には、そんな作家の祈りの姿勢が伺えます。

梶原靖元さんの「チョン・ウォン(金剛山図)」は、朝鮮半島の名山、金剛山をイメージした造形作品です。

梶原さんの新たな挑戦を感じます。

川上清美さんの「黒唐津茶碗」は、唐津にはない刳貫(くりぬき)技法で、土と語らいながら時間を掛けて制作した茶碗です。

それだけに、作家の美意識が反映されています。

竹花正弘さんの「南蛮茶注」は、素朴さの中にも凛とした品格があります。

昔から「急須をみれば、その陶芸家の技量が分る」と言われています。

田中佐次郎さんは、天地万物に感応し、生死を掛けて作陶されています。

まさに求道の陶芸家です。「唐津茶碗」からも、その激しい生き様が感じられます。

中里太亀さんの「唐津南蛮叩き壺」は、フォルムの美しい壺です。

胴から底に掛けて締まり、全体をより大きく見せています。さらに、窯変がとても魅力的です。

十四代中里太郎右衛門さんの「叩き青唐津壺」は、叩き技法で内側から叩き、壺のフォルムをふっくらと仕上ています。

また、壺の表面には菊花文と格子文が捺されています。

濱崎節生さんは、唐津では珍しい陶造形作家です。

やきものという既成概念に捉われず、自由に制作。陶人形「いち福の時」には、不思議な空気感があります。

藤ノ木土平さんの藁灰釉と黒飴釉を掛け分けた「朝鮮唐津片口酒器」には、土平さんのやさしい人柄が滲み出ています。

展覧会にはオブジェ風作品も出品されます。

村山健太郎さんの「絵唐津壺」は、唐津の日差しのように明るく、のびのびとしています。

その絵模様にも、唐津らしいリズム感があります。

安永頼山さんの「唐津茶盌」は、古唐津の奥高麗が基本にあります。

基本を真摯に学びながら、新しい唐津の形(かたち)、自分らしい造形を目指しています。

矢野直人さんは、造形作家から出発し、今は唐津と李朝を手本に作陶しています。

以下の作品は、彼が得意とする「朝鮮唐津片口」と「斑唐津ぐい呑」ですが、大作も出品されます。

吉野敬子さんは、自分にとても正直で気持ちのいい作家です。

その自然体が作品にも表れています。

「黒唐津 陶板銘『波濤』」は、唐津の素材と技法による今日的表現の作品です。

森浩一（艺术评论家，日本陶瓷学会常务理事）