《唐津烧的魅力》

陶器的魅力不仅在于其造型，更在于陶土的品质和烧制工艺。尤其以唐津烧为例，陶土的品质和烧制工艺决定了作品的美感。追求陶器纯粹造型的“草草社”成员八木一夫，将陶器的这种特质斥为一种“本能的魅力”。滨田庄司在其著作《无尽藏》中也写道：“品质在于局部，而情感在于整体。那些谈论品质的人，即便视角严谨，也难免被物所束缚。而那些用情感去欣赏的人，则能超脱于物之外，从自身的视角去审视它。”从艺术运动的脉络来看，这似乎合情合理，直到不久前，我也一直这样认为。然而，当我开始探究日本审美的根源时，这种想法便开始动摇。

中国是石头之国。玉器、铜器、瓷器，皆源于矿物。那里有崇尚石头的哲学，却没有专门开采石头的方法。而日本是土壤之国。自绳文时代起，日本便与自然建立了和谐共生、互惠互利的关系，并逐渐发展出里山（乡村景观）和里海（海岸景观）。对日本人而言，自然并非需要排斥，而是需要接纳，这便是自然文化得以孕育的原因。若非如此文化根基，便不会产生“耕耘土壤”的理念以及“泥土味与烧香”的审美情趣。如此看来，“泥土味与烧香”正是与日本人本质息息相关的重要元素。

现在，让我们回到唐津烧的话题。唐津烧越用越有味道，质地越发细腻，韵味也越发浓郁。正因如此，即使是碎片也美观耐用。简而言之，唐津烧在烧制完成后仍在不断发展变化。这与追求完美的瓷器截然不同。这种对变化的追求是日本人独有的感性。事实上，陶器本身就是变化的产物。

唐津烧的器皿中，盘子可能是产量最高的。或许正因如此，唐津烧茶道陶瓷中并没有一件绝对的主角。然而，我认为“唐津烧堪称绝佳的配角”。因此，它与其他茶具搭配使用时，不会喧宾夺主，而是能完美融合。尽管如此，它依然拥有鲜明的个性。这种低调内敛的特质，或许正是唐津烧深受众多茶道大师和收藏家喜爱的原因。

本次展览的参展艺术家之一田中佐治郎，从200多种唐津陶土中精心挑选出他最满意的陶土，并只使用这种陶土进行创作。此次，他展出了一件精美的“朱砂釉花瓶”。

吉野海先生在七十岁时将名字改为“海”，这一举动体现了这位艺术家的决心。他回归本源，展出了他的作品《黑糖唐津锤纹花瓶》。

川上清美的作品精致而有力，完美地捕捉到了唐津烧的精髓。她的《黑色唐津花瓶》便是这一特点的完美体现。

滨崎节夫是一位思想自由、不受固有观念束缚的艺术家。他的《蓝色唐津花瓶》正是滨崎本人的写照。

熊本千治的《银镶嵌方瓶》是一件造型方正、注重造型的作品，银镶嵌工艺精美绝伦。

藤木东平的《韩国唐津雕刻龟甲花瓶》展现了艺术家的玩乐精神。

第十四世中里太郎右卫门展出了一件仿照磁州窑的“唐津白地黑刮花花瓶”，以他独特的方式探索了唐津烧的创新。

冈本樱礼的《韩国唐津三角花瓶》是一件精致优雅的作品。它在静止中蕴含着动感。

致力于修复唐津烧的梶原康元的作品有一种神秘的魅力。这种魅力在他个人收藏的“韩国唐津花瓶”中也得以体现。

小岛直树是一位艺术家，他认为“陶土的准备工作对陶艺至关重要”。这种专注在他的作品《唐津山濑花瓶》的陶土质地和烧制过程中体现得淋漓尽致。

中里大树的作品既赏心悦目又不失唐津烧的精髓。他的“唐津南蛮俵花瓶”与他父亲中里隆的作品风格迥异。

安永来山是岛根县的一名县政府雇员，但在接触到唐津烧之后，他在30岁时决定投身陶艺。这种隐藏的热情也体现在他的“唐津彩绘花瓶”中。

竹花正弘来自东京，毕业于熊本大学土木与环境工程专业。他的“小引平瓶”是偶然创作的，源于一种特殊的釉料施法方式，但它预示着唐津烧的未来发展方向。

矢野直人从美国留学归来后，重新燃起了对唐津烧的热情，这种烧是他从小就熟悉的。如今，他已成为一颗冉冉升起的明星，创造出了自己独特的陶艺风格。

森幸一（艺术评论家、日本陶瓷学会秘书长）